Lo ya no tan nuevo para leer.

Rodrigo Castañeda

Cuando hablamos de literatura digital podemos enfocarnos en varios aspectos: la literatura ergódica, el net art, los videojuegos o los textos tradicionales que han sido digitalizados. Cada día, este último, toma más fuerza en la sociedad con proyectos como el “Gutenberg” o aparatos como las “Palm”, los iPhones, los libros electrónicos de Sony o el Kindle de Amazón.

Y no es para menos, si hay algo que nos ha demostrado este nuevo milenio, y el final del anterior, es que a las personas les gusta la portabilidad y por lo tanto están dispuestas a pagar por ella. Ya desde la creación del Walkman por Sony, se planteó la posibilidad de que fuéramos a todos lados con nuestra música. A partir de ahí los celulares, las computadoras personales, los reproductores de DVD y las consolas de videojuegos, por mencionar sólo algunos ejemplos, han implementado sistemas portátiles que nos permiten disfrutar de estas cosas en cualquier sitio, tal y como si estuviéramos en nuestra casa.

Si la tendencia mundial tecnológica es que todo sea portable y digital ¿por qué no los libros? Actualmente se están desarrollando nuevos conceptos con el fin de atraer a los lectores no tradicionales, es decir a aquellos que antes no eran capaces o no tenía el interés de agarrar un libro, ni en defensa propia. Ya sea a través de los audio libros, los archivos TXT e incluso los JPG, muchas más personas están encontrándose con el placer de los clásicos; incluso aquellos a quienes ya no se les facilitaba leer por razones médicas, pueden reencontrarse con este viejo gusto gracias a las muchas alternativas que ofrece la era digital

Ya los recintos dedicados al acopio de libros —las bibliotecas—, que en todo el mundo han ido cayendo, en algunos lados más en otros menos, en desuso, están implementando nuevas campañas que invitan a los usuarios a acercarse nuevamente a ellas a través de los nuevos modelos digitales.

Una de estas campañas, por ejemplo, es la implementada por la biblioteca pública de Phoenix, Arizona, que invita a sus usuarios a descargar música y libros completamente gratis, lo único que se necesita es un carnet de la biblioteca y una computadora con conexión a Internet.

De cualquier manera estas nuevas políticas y tecnologías no erradicarán al objeto libro, pues recordemos que uno de los primeros objetos de entretenimientos fueron los libros de bolsillo, que aún ahora continúan vendiéndose y todavía son la mejor opción para leer fuera de casa.

Metropolis

Rodrigo Castañeda

En el 2001 salió al mundo cinematográfico la versión ánime de Metrópolis, que si bien no es una copia fiel de la película de Fritz Lang de 1927, sí toma muchos elementos de ésta, como son los ambientes y escenarios, para presentar una historia diferente.

Metropolis, está basada en el manga de Osamu Tezuka, quien a su vez se basó en la escena del nacimiento de la versión robótica de María, la protagonista del film de Lang. El director de la cinta es el afamado director de ánimes, Rintaro, mientras que el guión está hecho por Katsuhiro Otomo, quien es el creador de Akira.

A diferencia de la cinta de Lang, el ánime de Metrópolis, toma como tema central la pregunta “¿qué nos hace ser humanos?”, dilema que parece ser de los favoritos en la ciencia ficción, pues ha sido tratado por autores como Phillip K. Dick e Isaac Assimov entre otros.

Cabe señalar que una de las peculiaridades de la cinta es la participación de varios de los personajes creados por Osamu Tezuka para otros mangas, lo que le da al espectador la sensación de ser parte de un universo mucho más grande.

Osamu Tezuka es considerado el padre del manga, y podría decirse que también del ánime, al ser el creador de historietas que han trascendido tanto por sus temas como por sus diseños, entre ellas están Astro Boy, y Kimba, el león blanco.

Ramiro Martínez, el gusto por compartir la guitarra

Rodrigo Castañeda

Ramiro Martínez Piña es un apasionado de la guitarra y lo demuestra en el profundo amor con que hace cantar a un instrumento que, en nuestra mexicanísima tradición, pareciera que está más relacionado con los mariachis, las serenatas y el relajo que con la música clásica.

Martínez nació en San Felipe, en el estado de Guanajuato. Estudió en la universidad del Estado y en la escuela Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli de la ciudad de México.

Su formación, así como su amor por la guitarra, lo ha llevado a diferentes países, al principio a Cuba e Italia como alumno de algunos de los mejores guitarristas del mundo, después para presentar su maestría del instrumento en festivales internacionales alrededor de todo el mundo, desde Italia, Francia y España, hasta Argentina, Perú y la República Checa.

La sencillez de Martínez se transmite en el escenario y cualquier lugar que esté deseoso de escuchar una guitarra puede serlo. Así iglesias, plazas populares o grandes auditorios han sido testigos de su interpretación ,  igual que las diferentes orquestas sinfónicas y filarmónicas, que han tenido la fortuna de tenerlo como solista.

Toca una guitarra de diez cuerdas, creación del maestro laudero Abel García, con quien ha trabajado en varios proyectos, como el concierto 12 guitarras de maderas mexicanas, presentado en el museo de arte de Querétaro en el año 2006.

Incansable lo mismo comienza el año en Argentina, que da conciertos en Perú, Suiza, Francia, o imparte clases en España y Estados Unidos o se da tiempo para organizar Encuentro Nacional e Internacional de Guitarra en Querétaro, evento que realiza cada año con carteles que presentan lo mejor de la guitarra a nivel mundial y teatros llenos de conocedores y neófitos que buscan acercarse a este instrumento.

Este mes Ramiro Martínez ha sido invitado a la República Checa con motivo del  XVIII Festival Internacional de Guitarra Brno 2009, donde participará en tres conciertos, uno en Brno, otro en Praga y otro en Trebi,  en este último  compartirá cartel con Juan Falú. También realizará un concierto con el Octeto de guitarras Silesiano de Polonia.

Y esto no se detiene, regresando dará un concierto en Querétaro en el que presentará una selección de  música variada, evolutiva, recorriendo desde Vivaldi hasta los Beatles, y después a San Diego a seguir dando conciertos y clases.

Recibido con gusto en todos lados, pues como el bien dice “México es querido y eso es una ventaja”, Ramiro Martínez sigue llevando su pasión a cualquier lugar a donde vaya, acercando la guitarra a todos los públicos; compartiendo la música más allá de los amigos, los compatriotas o el idioma, con su pasión y su sencillez.

Historias de misterio e imaginación

Rodrigo Castañeda

Tales of Mystery and Imagination, es el nombre del primer álbum de la banda de rock progresivo The Allan Parson Project. En este disco se reúnen siete piezas que tienen como inspiración las historias del escritor norteamericano Edgar Allan Poe.

El proyecto de este álbum conceptual surge a partir del trabajo de Parson con la banda inglesa Pink Floyd, para quien mezcló el disco de Dark Side of the Moon, sin embargo Parson ya era conocido en el mundo de la música tras haber producido el también famoso Abbey Road, de los Beatles, así como de Let it be.

Lanzado en 1976, Tales of Mystery and Imagination se topó con críticas encontradas, entre ellas la del escritor de la revista Rolling Stone, Billy Altman, que condenó al disco por no permanecer fiel a la veta gótica de las historias de Poe, e incluso terminó diciendo que todos aquellos admiradores del escritor tendrían que esperar a que llegara alguien más macabro para grabar las terroríficas historias de Edgar Allan Poe. Sin embergo el fin del album no era aterrar a quienes lo escucharan, sino trabajar con lo que los textos de Poe inspiraban a Parson, así  el trabajo del Tales of Mystery and Imagination toma un valor especial, pues comparte con quienes lo escuchan lago más que el simple terror que se pudiera esperar de una película, sino que los lleva de la mano a un viaje interpretativo donde lo gótico está presente en figuras como la locura, la desesperación y el secreto.

Cabe señalar que este disco también marca el inicio de la tendencia de Parson de acompañar a la música de referencias literarias —su siguiente album I robot estaría inspirado por el trabajo de Issac Asimov— tendencia que no sólo presenta la visión de Parson sobre los textos, sino que también, al ser un referente directo, puede llegar a promover la lectura de las obras.

Originalmente el álbum estuvo disponible en vinilo y cassete, sin embargo su lanzamiento en disco compacto tardó un poco más, pues Parson vio la oportunidad de poder remasterizar el disco, para ello incluyó más guitarras, una batería más ochentera, reverbs más profundos y la narración de Orson Welles, quien nunca se reunió con el productor o su colaborador, sino que mandó una cinta con sus diálogos al poco tiempo de que saliera la primera versión del disco.

Winnie the Pooh

Rodrigo Castañeda

Creado por Alan Alexander Milne, un escritor inglés famoso por sus poemas infantiles, que de hecho fue el responsable de dar a conocer la obra de The wind in the willows al adaptarla a obra de teatro —como mencionamos en el número anterior de Puerto de abrigo.

Originalmente el personaje de Milne se llamaba Winnie-the-Pooh, con los guiones, que después desaparecieron cuando Walt Disney hizo su versión animada, versión que hasta el momento continua rindiendo regalías.

La historia de Winnie-the-Pooh, está basada en el oso Teddy que el hijo de Milne, Christopher Robin, poseía, de hecho todo los personajes del bosque de los Cien Acres, a excepción de Búho y Conejo, que están basados en animales verdaderos, poseen los nombres de sus contrapartes de peluche.

El nombre de Winnie, viene de Winnipeg, un oso al que Christopher Robin y su papá solían ir a ver al zoológico de Londres. El nombre de Pooh, tiene que ver con un cisne que se encontraron padre e hijo durante unas vacaciones.

La primera publicación de Winnie-the-Pooh apareció en diciembre de 1925, cuando el primer capítulo del libro apareció en el diario londinense Evening news, el año siguiente, en octubre, salió a la venta el primer libro, ilustrado por E.H. Shepard.

Desde entonces Winnie-the-Pooh ha sido traducido a varios idiomas, incluido el Latín: Winnie ille Pu. Como datos curiosos cabe mencionar que fue la primera licencia comercial moderna y que el cumpleaños del famoso  úrsido es el 21 de agosto de 1921, día en que le fue obsequiado a Christopher Robin por su primer cumpleaños.

En la foto aparecen los pelcuhes originales, que como podrían ver distan mucho de las versiones de Walt Disney.

El viento entre los sauces

Rodrigo Castañeda

Escrito en 1908, El viento entre los sauces (The Wind in the Willows), es una de las grandes novelas infantiles de la literatura inglesa. Su autor, Kenneth Grahame, logra crear un Inglaterra pastoral en la que animales toman los roles de las personas.

Poco se sabe pero El viento entre los sauces estuvo a punto de ser olvidada antes de publicarse, de no ser por la visión de Alan Alexander Milne, el autor de varios poemas infantiles y las historias de Winnie-the-Pooh, a quien la historia gustaba tanto que decidió adaptarla para el teatro.

El éxito que siguió a la puesta en escena redituó de tal manera a Grahame que pudo renunciar a su trabajo como banquero y retirarse cómodamente al campo, en donde vivió tal y como lo hacían sus personajes, como dice una de las frases más famosas del libro: “simplemente pasándola en botes”.

La historia se centra en cuatro amigos, El Topo, Ratty, el Tejón y el Señor Sapo. Este último siendo el personaje más complejo de todos a causa de sus múltiples obsesiones, por lo que es  quien que desencadena todos los eventos que se suscitan en la novela.

Los ambientes, así como los personajes, hacen de El viento en los sauces una historia que no sólo puede ser disfrutada por los chicos, sino que también invita a los adultos a conocerla o a revisitarla, haciendo de ella una de las grandes obras de la literatura infantil que, en más de una ocasión, ha sido llevada  a la pantalla grande.

Kazuo Koike

Kazuo Koike

Rodrigo Castañeda

Todo aquel interesado en los comics, la literatura japonesa, o los comics japoneses, habrá escuchado hablar alguna vez de Kazuo Koike.

Kazuo Koike nació en la prefectura de Akita en Japón en 1936 y comenzó su carrera trabajando bajo la tutela del novelista histórico  Kiichiro Yamate, con quien trabajó hasta 1968, año en el que se unió al proyecto de  Golgo 13, un afamado manga que contaba la historia de un asesino a sueldo que tenía un vago parecido a James Bond.

En 1970 Kazuo Koike comenzaría, al lado del dibujante Goseki Kojima,  lo que sería su obra maestra Lobo solitario y cachorro (Lone Wolf and Cub), una serie que contaba la historia de un samurai que tenía que convertirse en ronin a causa de las intrigas que se manejaban en el Japón durante el periodo conocido como Edo; el imperio de la familia Tokugawa. Según los críticos Lobo solitario y cachorro es una de los principales mangas que expone de manera feaciente el periodo Edo, y si bien tiene algunos vicios que se pueden encontrar en las historietas, el manejo de los temas principales —el honor y la decadencia— es magistral.

Lobo solitario y cachorro alcanzó un gran éxito, al punto de que hace poco la serie ha sido traducida al inglés y reeditada por la compañía Black Horse. De este manga también  se han realizado varias películas y es común que todas las historias de Samurais hagan, en un momento u otro, referencia a Ogami Itto, el personaje principal de la historia,

Pero el legado de Kazuo Koike no termina ahí. A él se le debe también la Koike Kazuo Gekigason-juku, una de las más importantes escuelas de manga, y de la que han salido autores como Rumiko Takahashi (Inu Yasha, RANMA 1/2), Yuji Horii (Dragon Quest) y Keisuke Itagaki (Grappler Baki, Baki), entre otros.

Hoy en día Kazuke Koike es profesor y decano en la Universidad de Osaka en el departamento de Character Figurative Arts.

El libro perdido, el libro encontrado.

Rodrigo Castañeda

Hay libros que se encuentran y hay aquellos que van a nuestro encuentro, como es el caso de El libro perdido de Heinrich Böll de Liliana V. Blum.

Presentado el viernes 17 de julio en la librería del Fondo de Cultura Económica de la ciudad de Querétaro, El libro perdido de Heinrich Böll nos presenta personajes dolorosamente humanos.

Tomando como eje conductor el libro El honor perdido de Katharina Blum, la autora, quien comparte apellido con la protagonista de la novela de Böll, nos habla de la perdida desde la perspectiva de seis mujeres, pero al mismo tiempo provee de una excusa para el encuentro de la autora y sus personajes, y de esos personajes con el lector.

El estilo de Liliana Blum está lleno de descripciones puntuales que dejan en quien lee el sabor de la presencia de las cosas. El ritmo con el que cada una de las historias se va presentando es excelente pues no busca sorprender al lector pero sí que este comprenda, que se identifique con las protagonistas; y con este fin las frases que cada una de ellas anota en su historia personal es un último empujón a ser conscientes del otro, a encontrarnos sin importar sexo, afiliación religiosa, nivel socioeconómico o creencia espiritual.

“Todos hemos perdido algo, pero a veces encontramos pedazos aquí y allá”, dice la protagonista del epílogo del libro.

Pero no son solo las referencias al libro de Böll las que enriquecen aún más esta lectura —aunque sí invitan a conocer el texto de referencia— sino también todos los hitos de la cultura popular, pedazos que están perdidos en nuestra vida cotidiana hasta que la autora arroja un halo de luz sobre de ellos.

—La Blum nunca ha aceptado ser  víctima de las circunstancias —dice Antonio Vilanova— y escribe a su libre control de una narrativa analítica que espía y desentraña con sensibilidad el fuero interno femenino.

La cultura también entra por el celular

Rodrigo Castañeda

Suena el teléfono celular. El timbre es inconfundible, anuncia la llegada de un mensaje de texto. Al revisar mis mensajes me encuentro que efectivamente, hay algo nuevo en la bandeja de entrada. Al abrirla me entero de que cuando Gabriel García Márquez ganó el Nobel y fueron a entrevistar a su mamá en Colombia, ésta les dijo que a ver si ahora sí les arreglaban el teléfono.

El mensaje llegó como cualquier otro, a través de un servicio de mensajes instantáneos al que hay que suscribirse, pero a diferencia de los demás, los de horóscopos, noticias, predicciones mafufas o video vacíos que no dejan nada, este mensaje en particular es parte del nuevo servicio de Letras Voladoras.

Letras voladoras es una asociación civil que ha creado programas como “Círculo de Lectura” y “Libro Libre” en la Ciudad de México, encaminados a la promoción de la lectura y, a través de las nuevas tecnologías, la propagación virulenta de la cultura.

El pasado 25 de julio lanzaron un nuevo concepto en mensajes celulares, los mensajes que tienen que ver con cuestiones culturales. El concepto es denominado “Cultura en tu celular” y lo mismo manda mensajes de cultura general, que reseñas de libros o recomendaciones sobre los programas de la televisora del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Canal 22.

Si quieren recibir algo diferente en su celular busquen a Letras Voladoras en Facebook y participen.

Fallece Merce Cunningham, a los noventa años de edad

Rodrigo Castañeda

El domingo 26 de julio, a la edad de noventa años, falleció en su casa de Manhattan Merce Cunningham, uno de los responsables, junto con Isadora Duncan, Serge Diaghilev, Martha Graham y George Balanchine, de dar una nueva dimensión a la danza.

Nacido en Centralia, Washington en 1919, Cunningham fue el segundo de tres hijos. Sus hermanos siguieron la profesión del padre mientras que él comenzó su formación como bailarín a los diez años de edad.

A los veinte años de edad se mudó a la ciudad de Nueva York para participar en la compañía de Martha Graham. En 1944 presentó su primer recital como solista con la ayuda del compositor John Cage, quien sería su compañero hasta la muerte del compositor en 1992.

Cunningham, considerado por muchos el mejor coreógrafo del mundo, trabajó en la danza toda su vida. En 1989, a los setenta años de edad, estaba presente en todas las presentaciones de su compañía. En 1999, a los ochenta años, realizó un recital a dueto con Mikhail Baryshnikov en la ciudad de Nueva York. Incluso en sus últimos momentos comentó a las personas que lo iba a visitar que él seguía creando coreografías en su cabeza.

Descanse en Paz Merce Cunningham, una de las grandes figuras de la danza de todos los tiempos.

Oswaldo Sagástegui, la luz y el contraste

Rodrigo Castañeda

La vida de Oswaldo Sagástegui ha estado llena de contrastes. Desde su nacimiento en Lima, Perú, su niñez en la selva del Amazonas, su trabajo como caricaturista en el Excélsior, su múltiples viajes y trabajos en Francia, Italia, Estados Unidos y otras partes del mundo; tal vez por eso su obra pictórica es única, llena de esos mismos contrastes, de colores vivos y sombras, posibles solamente porque la luz así se lo permite.

Las pinturas de Sagástegui están llenas de detalles que atrapan al espectador y lo introducen a un mundo fantástico de colores muy latinos, donde la luz, la forma y el espacio se convierten protagonistas; parte de un todo que narra la pintura de manera fresca.

—La luz es todo —menciona Sagástegui—todo funciona en relación de la luz. La luz permite que elementos tan antagónicos, tan diferentes como las cosas orgánicas y la geometría puedan armonizarse dentro de la obra.

La trayectoria de Sagástegui también resulta un contraste pues dejó la pintura por un lapso de veinte años. Regresó a ella, pero estuvo a punto de volver a abandonarla pues como él dice mente y pincel no actuaban de forma conjunta; sin embargo continuo y descubrió una nueva forma de pintar, que si bien continuaba con sus primeros trabajos, también era muestra de su evolución como pintor, irónicamente, mientras estaba alejado de dicha diciplina.

La influencia de la luz electrónica, la luz neón, es muy palpable en la obra, así como la experiencia acumulada como caricaturista, publicista y tantas otras cosas, que se ve reflejada en sus obras llenas de color, dinamismo, figuras humanas, atmósferas, texturas, espacios caprichosos, efectos visuales y humor; siempre buscando el equilibrio a través del contraste.

—Son obras que tienen muchos elementos —dice el autor— a mi me ha pasado que tengo obras donde descubro cosas que nunca había visto, y yo mismo las hice. Y le pasa a todos los espectadores lo mismo. Son cuadros muy complejos, muy barrocos. Hay que pensar en cómo se va a mover la sensibilidad del espectador, qué se le va a ofrece, cómo se le invita a que observe la obra.

Las obras de Oswaldo Sagástegui convidan al espectador a perderse en ellas. Ya sea a través de los detalles que poco a poco se van descubriendo ante quien es testigo de la pintura; ya sea por el manejo de la luz o por la perspectiva y las formas geométricas; ya sea por los juegos óptico, siempre hay algo que atrapa y motiva a continuar observando.

—No son cuadros fáciles para hacerlos ni para observarlos. He observado que sin darme cuenta he creado un puente entre el espectador y la obra. Cualquier que pase y la vea, aún cuando no esté acostumbrado, aunque no sepa o no le interese, en el momento que se detenga es porque hay algo que le atrae.

La obra pictórica de Oswaldo Sagástegui se presentará en la ciudad de Querétaro junto con el libro Antología que recapitula la carrera del maestro, desde sus primeras obras, su paso por la caricatura y su trabajo actual. La inauguración de la exposición, así como la presentación del libro serán el día jueves treinta de julio, a las ocho de la noche, en el Centro Cultural Gómez Morín. La exposición permanecerá hasta el treinta de agosto.